La primera edición de ‘La Fractura del Siglo’ se hizo casi que por un impulso, explica la artista Sara Roitman sobre la necesidad de hacer del cine una herramienta de reflexión, en el marco del Día Internacional en memoria de las víctimas del Holocausto (27 de enero). Un año después, esta muestra de cine celebra su continuidad con una segunda edición y 10 películas seleccionadas por la distribuidora local Vaivem. Para la curaduría, Tomás Astudillo tomó como punto de partida dos ideas. Una sobre las nuevas formas de representación acerca de un tema ampliamente abordado en el cine, como las que descubre en el filme ‘El hijo de Saúl’. La otra, sobre la posibilidad que ofrece el arte para “salir de la oscuridad”, a partir de la comprensión sensible y crítica de la historia, que surge del análisis de una carta del filósofo Georges Didi-Huberman dirigida a László Nemes, director de la misma cinta. Para Roitman, el cine es esa luz al final del “agujero negro” creado por el nazismo en la historia de la humanidad y esa es la idea bajo la que se perfila la muestra de este año. La muestra se inaugura hoy con ‘El hijo de Saúl’, en una proyección con invitación. En la cinta, Nemes revive una de las peores tragedias del siglo XX desde la mirada de un judío que ‘trabaja’ en uno de los hornos crematorios de Auschwitz. Portador de un terrible secreto, este hombre que habita el infierno intenta hallar algún último vestigio de es­peranza y humanidad en un desesperado acto de piedad. Nemes lo sigue muy de cerca con una cámara que deja fluir la acción en largos planos secuencia que, a pesar de mantener el entorno fuera de foco, permite el acceso a la devastación desde la intuición y un sonido que desgarra los sentidos. Este es el inicio de un recorrido que también convoca a filmes como ‘Kapó’, con una propuesta que contrasta por la descarnada exposición de lo que sucede dentro de un campo de concentración. También hay cintas como ‘Austerlitz’, ‘Mr. Gaga’, ‘Viajes’ o ‘Los sobrevivientes’, en los que se establece una relación con la historia desde el presente. ‘Hannah Arendt’, ‘Los últimos días’, ‘Lili Marlen’ y ‘El portero de la noche’ son fragmentos de un pasado que terminan de componer esta imagen panorámica de la historia. Una muestra que, según Roitman, ejercite la memoria y se convierta en una forma de adquirir conciencia sobre una tragedia que recobra vigencia en la experiencia de recientes matanzas y desplazamientos impulsados por la violencia.

Este contenido ha sido publicado originalmente por Diario EL COMERCIO en la siguiente dirección: http://www.elcomercio.com/tendencias/fracturadelsiglo-filmes-victimas-holocausto-nazismo.html. Si está pensando en hacer uso del mismo, por favor, cite la fuente y haga un enlace hacia la nota original de donde usted ha tomado este contenido. ElComercio.com

The specialized magazine ARTDISTRICTS FLORIDA published in its edition No 45 of the month of December 2016 an article dedicated to Sara Roitman. This edition corresponds to the publication made during the renowned Art Basel Miami event that takes place in that city.

Raisa Clavijo is a curator, historian and art critic. She is the founder and editor-in-chief of the magazines ARTPULSE and ARTDISTRICTS.

To view the full article access the following link:  

http://issuu.com/roitmansara/docs/sara_roitman_articulo_raisa?e=25246064/41797774

Sara Roitman exhibits her work Tintattoo in Curator`s Voice Art Project  gallery, within the framework of the exhibition PREMIUM Art Basel Season 2016.

TINTATTOO is part of his most recent project, HABLEMOS DEL DOLOR [titulo temporal] - LET'S TALK ABOUT PAIN [temporary title].

The exhibition will be open from November 19, 2016 until January 22, 2017.

The Curator's Voice Art Project gallery is located in the Wynwood Art District of the city of Maimi.

 https://goo.gl/maps/TjtDdYSgb692

‘Hablemos del dolor (título temporal)’ es un proyecto original de la artista Sara Roitman, bajo la comisaria de Hernán Pacurucu. Este trabajo se enmarca en la experimentación y de secuencia continua con la duración de un año (del primero de enero de 2016 al primero de enero de 2017).

“Esta obra se desarrolla en tiempo real y su planificación se va estructurando en el desarrollo mismo, por lo que nunca se sabrá a ciencia cierta cuál es el resultado sino hasta presentarlo”, comentó la artista.

El proyecto estructurará 12 productos artísticos, uno por mes, cuyo formato de presentación varía según los intereses creativos y críticos de la artista en relación a los sucesos que se van desarrollando de manera continua dentro de su contexto y que parten de su espacio-tiempo establecido.

Exposiciones, instalaciones, intervenciones en espacios abiertos, sembrar plantas, entre otras han sido las propuestas. Ahora, Roitman selecciona cuatro películas relacionadas al tema de este mes bajo el título: ‘Por que duele el amor’. Las cintas han sido seleccionadas en base al tema del amor y el dolor. Además del impacto de la historia que relata cada filme, su efecto emocional y visual que ha tenido cada una.

Relatos sobre el dolor inmensurable que el amor puede generar, sea por su pérdida o grandes amores imposibles por diferencias culturales, de raza o de clases sociales. “Diversas historias de amor, diversos lenguajes cinematográficos y diversos directores. No podemos olvidarnos también de las increíbles bandas sonoras de cada una de las películas que se van a presentar”, agregó la artista. (MJC)

EL DATO

Las cintas se proyectarán en el cine Ochoymedio, el sábado 29 de octubre.

Filmes
seleccionados:

° ‘Como agua para chocolate’ – 11:00

° ‘El círculo de amor se rompe’ – 15:00

° ‘El amante’ – 17:00

° ‘Blue’ - 19:00

“Hablemos del dolor” es un proyecto de la artista Sara Roitman, destinado a la duración de un año de calendario que comenzó el  mes de enero de 2016 y cuyo objetivo es crear por un lado una obra de carácter mensual, que varía en formatos y técnica, además de la realización de una foto diaria durante los 365 días del año, todo ello acompañado de un cuaderno de artista mensual.

A lo largo del año se han realizado las obras bajo diferentes ejes curatoriales; las obras han sido exhibidas en el espacio público, en galerías, centros de arte, entre otros. Algunas obras se han ido desarrollando de una forma vivencial mientras que otras abarcan una variedad de temas, todos ellos relacionados con el elemento dolor como detonante para la creación de las propuestas; entre ellas se encuentran:

Kadish cuyo tema central gira en torno al dolor causado por la ausencia,  por la muerte, es entonces que esta plegaria (perteneciente a la religión judía) toma sentido al ser recitada por la artista y más que una performance, constituye el medio para comprender a través de una serie de recursos artísticos el proceso de duelo.

Rupturas constituye una instalación con frases distribuidas en un pasillo angosto a través del cual los espectadores tienen que transitar de manera incómoda, se enfrenta al espectador directamente a una serie de palabras alusivas al rompimiento ya sea amoroso, social, de carácter epistemológico, no hay forma de  escapar de las frases y solamente queda enfrentar los pensamientos que aquellos mensajes evocan.

Tintattoo serie de fotografías en torno a la corporeidad y la expresividad alcanzada sólo a través del tatuaje, el desarrollo de este tema permite la discusión acerca de los porqués y la razón de su existencia, que muchas veces obedece a razones vivenciales, emocionales, de fe o incluso de pertenencia a un grupo; sin lugar a dudas, el tatuaje es la única forma posible de inflingirse dolor a cambio de una recompensa.

La Minga, proceso conocido como el trabajo comunitario para la consecución de beneficios en común, es el título perfecto para el proyecto que actúa bajo el cobijo del arte relacional y que se enriquece con la incorporación de procesos comunitarios de la localidad como la pampamesa (que es el compartir alimentos de manera grupal). En este caso la minga se realiza para la siembra de plantas medicinales (que sirven para mitigar el dolor causado por la enfermedad), la siembra se realiza en forma de una espiral; entonces este proyecto como dispositivo artístico detona una serie de argumentos en torno a la otredad y al uso de estrategias colaborativas para alcanzar un fin común; entonces a fin de cuentas deviene en un proyecto ético y estético.

Todavía quedan por concluir algunas intervenciones, durante el tiempo transcurrido se han podido vislumbrar desde insospechadas perspectivas las diferentes máscaras que nos ofrece el dolor con el que tenemos que convivir a diario.

Artista: Sara Roitman
Curador: Hernán Pacurucu

La antigua Cárcel de Cuenca, con su historia, carga emocional y espacios abandonados y lúgubres, es el escenario para la nueva exposición en grandes formatos, GIGANTES Y DERIVAS – procesos del arte monumental.

Esta actividad es organizada por Hernán Pacurucu de Ecuador y Víctor Hugo Bravo de Chile.

El curador Víctor Hugo Bravo señaló que este proyecto nació hace más o menos un año, con Hernán Pacurucu, con quien ha trabajado antes en otros proyectos en Chile, en Cuenca y Guayaquil.

Entonces una de las ideas era hacer una propuesta colectiva de trabajar en gran formato, en términos de recuperar cierta materialidad, que por las tendencias contemporáneas de la obra, se han ido perdiendo. Esa materialidad tiene que ver con percibir, ver y sentir la obra, lo que inspira desplazarse en ese formato, explica.

También por otro lado, les interesaba mucho la concepción del gran formato,

obras que están in situ y que no se las puede llevar y en el fondo producen una fisura en la concepción de la venta. Además está la concepción como una idea global, que es la apropiación del espacio, en este caso de la ex cárcel.

Este es un espacio que tiene una historia, un contexto y una carga especifica.

En esta exposición están participando artistas europeos y latinoamericanos, todos traen una idea que tiene que ver con el proceso curatorial, que era este cuestionamiento, como los espacios expositivos, de la vitrinas, pensando en grandes dinámicas como ferias de arte, señala.

Una de las expositoras

La artista Sara Roitman es una de las expositoras, que participará con su obra denominada “La mosca”, que es una instalación compuesta por varias moscas que están elaboradas en neón, de color verde, que simboliza la putrefacción, explicó.

La mosca es un insecto que vive en la basura, en lugares sucios, con lo que se hace una relación entre la mosca y la cárcel, metafóricamente hablando de la podredumbre de la sociedad, que está infestada y en estado de descomposición, señala.

No solo es una descomposición de valores, sino también de moral, de ética. La cárcel es simbólica, porque la sociedad trata de encarcelar a elementos que afectan a nuestra sociedad, a pesar que hay muchos que andan sueltos.

Su obra ocupa el espacio de un pasillo bastante oscuro, las moscas lo iluminan, y están ubicadas en diferentes lugares, como el techo, en un rincón, etc.

El tamaño de las moscas varía, hay de 45 por 45 cm, 55 por 55, etc. En total son 6.

En otros lugares en el mundo se da mucho este tipo de arte, donde se ocupan espacios como hospitales, psiquiátricos, cárceles, para el arte, y a nivel local el Municipio ha entendido el valor que tiene este espacio, indica.

La antigua Cárcel guarda muchas historias personales, tiene una energía fuerte, con todos los restos de objetos de sus antiguos habitantes y elementos que han sido parte de la vida del reo, literas, catres, artículos personales, armas, etc., que dan muestra de las condiciones duras de vida de los internos. Siendo ésta otra de las muestras que participarán de la exposición. (COR) (I)

Inauguración

La inauguración de la exposición será el próximo viernes 14 de octubre, a 18:30, y permanecerá tres semanas abierta.

Se armarán  grupos para las visitas, que circularán por los diferentes espacios y habrá un guía que contará las experiencias de cada obra. Para esto, se cuenta con el apoyo del Municipio de Cuenca, explicó Sara Roitman.

Durante la instalación de la obra LA MOSCA en la ex cárcel de Cuenca.

Proyecto: Gigantes y Derivas

Del 14 de octubre al 21.

Cuenca- Ecuador

BUENOS DIAS MUNDO !
La Muestra Arte 15 en los días del Habitat III
Con motivo del Hábitat III, desde el lunes 17 hasta el jueves 20 de octubre se exhibirá la muestra visual Arte 15 en la avenida González Suárez N31 -150, Edificio Atrium, (antigua Galería Ileana Viteri).Quito, Ecuador. El horario de atención será desde las 12 am hasta las 8:30 pm.

Los artistas participantes son: Hernán Cueva, María Pérez, Marcelo Aguirre, Sara Roitman, Rafael Díaz, Katya Romero, Miguel Betancourt, Paula Barragán, Cristobal González Guzmán, Ana Fernández, Maurice Montero, Helena García, José Unda, Shirma Guayasamín, Luigi Stornaiolo, Carlos Echeverria-Kossac.

Lo que antes era el Centro de Rehabilitación Social de Varones de Cuenca, hoy se ha convertido en la sede de la muestra de arte Gigantes y derivas, que congrega la creatividad de 19 artistas nacionales y extranjeros.

Fecha de Publicación: 2016-10-13 00:00 

Durante una “residencia” artística, los creadores plasmaron una idea con base en los antecedentes históricos y sociales que rodean la infraestructura de la antigua cárcel. 

Uno de ellos, Que Zhinín, utiliza plantas medicinales para colgarlas en las paredes y pétalos de rosas para esparcilas sobre el piso.

¿Qué representan las plantas en un lugar así? El artista dice que es el futuro y considera que es así como deben ser los centros de rehabilitación social de cualquier parte del mundo en el futuro. Es decir, el artista deja un mensaje positivo.

De su parte, el artista Olmedo Alvarado, expone lo único que considera el elemento para ser libre: el conocimiento. Con una escultura elaborada con el molde de su cuerpo, presenta a un hombre maniatado, tapado los ojos y la boca sentado sobre libros en una de las habitaciones donde un grupo de reos residía.

Además de estos artistas, expondrán sus trabajos Julio Mosquera, Damian Sinchi, Larissa Marangoni, Carlos Vaca, Ila Coronel, Sara Roitman, Tomasz Matuszak, Arkadiusz Sylwestrowicz, Igor Omulecki, Claudia Osorio, entre otros.

La exposición se inaugura mañana a las 19:30, en la antigua cárcel de varones de Cuenca, ubicada en las calles Nicanor Merchán y Eugenio Espejo. (FCS) (F)  

http://www.eltiempo.com.ec/noticias-cuenca/193000-temas-de-libertad-giran-en-torno-a-una-muestra-de-arte/ 

Patio, celdas e inclusive duchas de la que por más de 50 años fue la cárcel de varones de Cuenca reciben una intervención, esta vez, artística, por parte de artistas de cinco países que han llegado a elaborar obras, en la línea del arte conceptual, las mismas que formarán una exposición que se inaugurará el viernes y se mantendrá un mes.
En lo que fue la oficina de la dirección de la prisión, el chileno Juan Montes Rojas hará una propuesta de escultura, relacionada con un monumento urbano. En lo que fue dormitorio de guías penitenciarios, Ricardo Lagos, de Chile, instalará unos panfletos, colgantes.
De Polonia llegaron algunos artistas. Tomasz Matuszak no reveló su obra, mientras Arek Wetrowisch prepara, en lo que fue la biblioteca de la cárcel, en la planta baja, la proyección de un video con música, (“la abstracción de una danza”) que podrá verse desde una rejilla.
Igor Amuletsky colocó en los baños de las viejas duchas unos espejos circulares en donde se reflejarán imágenes de la obra de otro artista, para que el espectador pase del proceso de la percepción a la abstracción.
La ecuatoriana Sara Roitman hizo varias intervenciones: habilitó un altar con imágenes religiosas, puso luces de material flexible a modo de lámparas en forma de moscas e hizo una instalación con viejas prendas de vestir (encontradas en el sitio) que colgó al lado de un lavadero, justo donde -esas son las ironías- ha sobrevivido un letrero pintado: “Prohibido lavar ropa”.
Víctor Muñoz, de Colombia, hizo una serie de fotografías de espejos que halló en las celdas y puso una lona pintada de negro, con textos escritos al revés, tomados de una película sobre la libertad.
Anders Ronnlund, sueco, tomó un área que funcionaba como capilla evangélica: aquí, un aspersor suspendido del cielo raso, toma el agua de una botella plástica a modo del suero en un hospital y la esparce, en forma circular, sobre unos adobes puestos en el suelo. Esto puede representar el mundo, el tiempo, sin olvidar que el agua acabará por modificar la textura del adobe (acaso lo rompa) al final de la muestra.
El chileno Víctor Hugo Bravo, ocupa una celda colectiva de la segunda planta, donde sobre las puntas de unos carrizos están, en fotos, rostros de políticos, de dictadores y de artistas y en el piso objetos de desecho que encontró en la cárcel: hojas de afeitar, fierros, preservativos, cepillos de afeitar…
Y, el artista Alexis Minkiewicz, de Argentina, trabaja una instalación-escultura que consiste en la representación de un cuerpo hecho de cera y vendas, cuyas partes, como prótesis de piel, están, fragmentadas, sobre soportes metálicos, una idea de la contención que representa la cárcel.
Se trata todo esto de un proyecto de intervención artística bajo la dirección del artista Hernán Pacurucu, con apoyo de la Municipalidad, y que, bajo la idea de que los museos están agotados como sitios de exhibición, plantearon tomar la excárcel como proyecto de intervención y espacio para el arte contemporáneo. Francisco Abril, director municipal de Educación y Cultura, invitó a la muestra del viernes, que se inaugurará a las 18:30. (AVB)-(I)

CELDAS PARA EXPOSICIÓN
En la planta alta de la vieja prisión, las celdas serán salas de exposición. Tres de ellas con muestras de artistas de Ecuador.
Olmedo Alvarado ha hecho un hombre atado, acaso torturado, hecho de vendas de yeso, puesto en una silla, sobre libros. Quiere decir que más que una liberación física busca el conocimiento. Al lado, dos pinturas: en una el ser que se alimenta de los libros y luego los destruye. Pero es imposible ver una figura así en ese lugar y no relacionarla con torturas y apremios que sufrían los detenidos.
En otra obra, Ila Coronel entrecruzó una celda, en todas direcciones, con hilos de múltiples colores, tan estrechos entre sí que da una sensación de aprisionamiento. “Qué” Zhinín, en cambio, ha puesto sobre una pared muchos ramilletes de plantas medicinales: romero, manzanilla, té. Su mensaje es que las cárceles no deberían ser brutales, no rehabilitan. Las plantas medicinales buscan una suerte de curación.
Por último, Claudia Osorio, de Chile, a partir de cartas que halló tiradas, trasladó esos textos (de amor y de esperanza) a muebles e inodoros pintados de blanco, objetos y cartas que eran la cotidianidad de presos y funcionarios. (AVB)-(I)

LINK:

https://www.elmercurio.com.ec/562721-la-antigua-carcel-reabre-como-escenario-de-arte/#.WAYr72W_NBz 

WORLD, GOOD AFTERNOON! We share with you the work of September under the project LETS TALK ABOUT PAIN [temporary title] by the artist Sara Roitman, curated by Hernan Pacurucu. 

The work THE MINGA is a plantation of medicinal plants in the form of a spiral. This refers to the constant process of growing and evolving, and connects heaven, earth and the being. AN ACT OF HEALING, BOTH PERSONAL AND OF THE LAND. 

Her friends and their children responded to the artist’s call on Sunday, September 11th, for this community work. In addition, a PAMBA MESA was shared.

We have some news! The project of July, the photobook TINTATTOO was presented in the gallery Curator's Voice Art Project, Miami.

Dra. Milagros Bello, owner of the gallery Curator´s Voice Art Project in Miami appreciating the photobook, TINTATTOO.

Tattoo art, its symbols and what it represents in each person, lead to discover a fascinating world of constructions of other bodies and new languages. Pain is implicit in every image, which leads us to reflect on pain, pleasure and art. 

I am pleased to share with everyone the work of the month of July, a visual essay in "photobook” format, within the framework of the project "LET'S TALK ABOUT PAIN [temporary title]". 

Title of the work: TINTATTOO 

It consists of a visual essay that focuses on tattooed skin, and feeling that pain is implicit in tattoo art. 

I would like to thank all those tattooed people who opened up their hearts with their incredible histories, and allowed me to get closer to their tattooed skins. 

I share with you some pictures of the photobook that gathers this visual essay.

The members of the jury, chosen with multiple criteria, almost always have relapsed into a recognized group of artists, intellectuals and cultural promoters, who have been responsible for awarding the distinctions. 

The jurors were divided, in some cases, into two categories: admissions and awards, plus a Hall Director. On many occasions, the same jury was in charge of the two most important moments, this is, to be admitted and be rewarded.

Jorge Morocho wins for the second time the July Hall of Guayaquil 

The first place of the 57th July Hall was awarded to a work inspired by the funeral of soul singer, Otis Redding, nicknamed the King Of Soul. The piece entitled Karla, Otis III and Dexter Redding belongs to the visual artist Jorge Morocho. 

"It is part of a body of work that I am working on. It basically stems from the drawings of a filmmaker whom I like very much, and is mixed with certain soul and of contemporary and modern pop icons (...). This was the approach to Otis Redding, an icon of classical soul," said the 24 year old artist. 

This is the second time that Morocho wins first place in this contest, organized by the Municipal Cultural Directote. Last year his piece The teeth of Chet B conquered the members of the awards jury of the July Hall.

Through a collage, the young student of the UArtes, makes a registry of "second or third floor facades that have been discontinued in time" and located them "in a composition of imaginary citadel, taking the panopticon as axis (imaginary penitentiary center) which is a symptom of the surveillance to which all of us in the city are subject". 

Air Force One (Boyeros), by David Orbea ranked in the third place of the Hall. The work speaks of the historic visit of the President of the United States, Barack Obama, to Cuba. 

"In this pictorial process in particular, I took media images and I found the idea of the United States penetrating into Cuba interesting, and this can lead to certain questions," the 31 year old artist said. 

At 19:00 today, the exhibit of the 17 works that were selected for this year’s July Hall will be inaugurated in the Municipal Museum.

Continuing with the project LETS TALK ABOUT PAIN (temporary title) by the artist Sara Roitman under the curatorship of Hernán Pacurucu.

In the month of June 2016 we worked and developed the work 'SOLITUDE' that is going to circulate in ¨cyberspace¨ (term coined by science fiction novelist William Gibson), the virtual space so well known to all of us, which is the extension of the real space. 

The work is composed of pictures of desolate spaces operated by the artist, embroidering circles and a dot in the center on the photographs. The meaning of the circles and the dot synthesize the idea of loneliness.

Ruptures is an installation by the artist Sara Roitman in the framework of the project Lets talk about pain [temporary title], composed of texts, photographs, and a single object as a symbol of encounter and rupture. The project is curated by Hernán Pacurucu. 

"Liquid love is a concept created by the Polish sociologist Zygmunt Bauman, developed in his work Liquid love. It addresses the fragility of human links, to describe the type of interpersonal relationships that develop in the postmodern era. According to the author, these are characterized by the lack of solidity, warmth and a tendency to be ever more fleeting. Although the concept is usually employed in romantic love relations, Bauman also develops the concept to speak in general about the liquidity of love of neighbor."

'Let's talk about pain [temporary title]' is a long-term project that artist Sara Roitman began on January 1st, 2016, and will end on January 1st, 2017. 

An interdisciplinary and itinerant project, curated by Hernán Pacurucu, who has already presented four activities in Quito and one in Cuenca.

The last of these exhibits was 'Ruptures’, which was inaugurated on May 31st, in Z Life Style Gallery. An installation of texts and photographs, staged in a long, black corridor, confronts visitors with the pain of romantic and family ruptures.

'You never said I’m sorry', 'You abandoned me', 'I don't feel guilty, but it hurts'... In 'Ruptures', many of these phrases accompany images of people whose faces are undecipherable.

In this exhibit, pain becomes visible through intimacy; something that is rarely said but is universal: abandonment.

'Let's talk about pain' reflects on mourning, gender violence, material and emotional loss. In April, Roitman presented 'Kadish', an installation with clothes, shoes, texts and photographs inspired by a mourning prayer of Jewish origin in Aramaic that is said in public: the crucial signal of love and respect that a person shows to those who have died.

For Roitman, this installation was a way to commemorate the people who died in the April 16^th earthquake. This installation was exhibited in some empty premises in Avenida González Suárez, in the north of Quito. Its motto: "We are mourning, let art be our meeting point".

Curator's Voice Art Project Galery exhibit the artwork "Evident/invisible of

SARA ROITMAN in Scope Basel 2016

BASEL, SWITZERLAND : Celebrating its 10th Anniversary in Basel, SCOPE Art Show is delighted to

announce its new location at Clarahuus, just three blocks from Messeplatz. A brief walk from the main fair,

SCOPE Basel’s wellappointed venue offers guests a view of the contemporary art world available nowhere

else.

SCOPE Basel will welcome 85 International Exhibitors alongside 10 Breeder Program galleries. Exhibitors

hail from four continents and over twenty countries including China, Mexico, Japan, Korea, Brazil, Italy, Iran,

Russia, Turkey, France, Belgium, the Netherlands, Norway, Switzerland, Germany, UK, Spain, and Canada.

Longestablished as the original incubator for emerging work, SCOPE’s Breeder Program celebrates its 16th

year of introducing new galleries to the contemporary market. A remarkable opportunity for exposure,

Breeder Program alumni include: Peres Projects, John Connelly Presents, Galeria Enrique Guerrero, Daniel

Reich Gallery, Bischo / Weiss, Spinello Projects, INVISIBLEEXPORTS, SEVENTEEN, ROKEBY, Taxter

Spengemann, and Magical Artroom, among other notable galleries.

SCOPE taps into the cultural psyche to present only the most pioneering work across multiple creative

disciplines. With over a decade of critically acclaimed art fairs and nonprofit initiatives that extend beyond

the ordinary in contemporary art.

SCHEDULE

PLATINUM FIRST VIEW TUESDAY

| JUNE 14 | 10AM 1PM

Platinum Members Only

VIP | PRESS PREVIEW TUESDAY

| JUNE 14 | 1PM 4PM

VIP Members & Press

VERNISSAGE TUESDAY

| JUNE 14 | 4PM 7PM

SHOW HOURS

WEDNESDAY | JUNE 15 | 11AM 8PM

THURSDAY | JUNE 16 | 11AM 8PM

FRIDAY | JUNE 17 | 11AM 8PM

SATURDAY | JUNE 18 | 11AM 8PM

SUNDAY | JUNE 19 | 11AM 8PM

‘La fractura del siglo’, que arranca hoy, exhibe 10 largos y dos cortometrajes, de 1942 a 2014.

El cine es esa ventana para crear ilusiones. A través de fotografías y pinturas se puede volar con la imaginación. El guion crea esas historias inolvidables, sus personajes se convierten en íconos irremplazables. Pero las cintas que tratan el tema de guerras o genocidios muchas veces han sido vistas con recelo o distancia.

Y, precisamente, el ciclo de cine ‘La fractura del siglo’ (que tiene como tema central la Segunda Guerra Mundial), hará que cada espectador se incomode (pero no por los filmes escogidos, sino por la propuesta cinematográfica que formará parte de este ciclo) y se ponga de pie en busca de una reflexión que le lleve más allá de lo que conoce.

“El cine tiene esa capacidad de comunicar, emocionar, convocar. La idea es poner el tema sobre la mesa, sabemos que la Segunda Guerra Mundial ya pasó, pero aun vivimos consecuencia de ella. Además que vivimos en un mundo conflictivo, lleno de guerras, genocidios y me parece importante hablar del tema ya que como humanidad no la hemos superado”, expresó Sara Roitman, organizadora del evento.

Ciclo

Se proyectarán filmes de directores como Alain Resnais, uno de los creadores de la Nouvelle Vague, con cintas como: ‘Guernica’ (1950), ‘Noche y Niebla’ (1955) e ‘Hiroshima mon amour’ (1959).

El Neorrealismo, corriente surgida como reacción a la posguerra, tendrá a Roberto Rossellini, uno de sus máximos representantes, con ‘Alemania año cero’ (1948). Otro de los padres de la Nouvelle Vague, Jean-Luc Godard, estará presente con el cortometraje ‘El origen del siglo’ (2000). Igualmente, la comedia dramática ‘Ser o no ser’ (1942), de Ernest Lutbitsch.

Entre los documentales estarán: ‘La guerra de un hombre solo’ (1982), de Edgardo Cozarinsky; ‘El último de los injustos’ (2013), de Claude Lanzmann y ‘Prisioneros de Paraíso’ (2002), de Malcolm Clarke, esta última nominada al Oscar. También se presentará ‘Y en el centro de la tierra había fuego’ (2013), de Bernhard Hetzenauer, filme sobre Vera Kohn, sicóloga y terapeuta espiritual, quien se radicó en Ecuador huyendo del nazismo.

Entre las presentaciones especiales estarán producciones contemporáneas como: ‘Ida’ (2013), de Pawel Pawlikowski, ganadora de un Oscar a la mejor película de habla no inglesa, y ‘Phoenix’ (2014) de Christian Petzold, uno de los cineastas alemanes con más proyección actual.

“Así como la poesía se preguntó: cómo escribir poesía después de Auschwitz, el cine se preguntó: cómo hacer cine después de Auschwitz. Estas películas son respuestas inteligentes a esa pregunta. Son películas que exigen espectadores atentos, dispuestos a que su lugar cómodo o común se vea modificado, invitan a pensar, a sentir, a ver y a oír de otra manera. Películas icónicas y muy conocidas y fundamentales para pensar el cine”, comentó José María Avilés, curador del ciclo. (MJC)
Recuadro